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话剧在台湾:为什么赖声川的在大陆最火?

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《暗恋桃花源》30年 不断被激发出深度

1985年,赖声川与妻子丁乃竺在家中会客厅排演《暗恋桃花源》,1986年首演。谁都没想到,这出戏一演就是30年。

今年3月,赖声川专属剧场上剧场将举办连续一个月《暗恋桃花源》首演30周年特别主题活动,黄磊、何炅、孙莉主演的经典版,全国海选产生8位年轻演员主演的青春版,以及屈中恒、樊光耀等台湾地区剧场精英主演的“30周年纪念版”3个版本将轮番上演。昨天,黄磊、何炅、赖声川与第一代“云之凡”扮演者丁乃竺聚会上剧场,回顾《暗恋桃花源》30年历程。

校园版本超过1000个

30年间,《暗恋桃花源》先后复排、重排9个版本,汇聚金士杰、丁乃竺、林青霞、李立群、黄磊、孙莉、袁泉、何炅、谢娜、赵蕙梓等众多演员。丁乃竺昨天表示,“在家里排练《暗恋桃花源》历历在目,如果当时有人告诉我,30年后在上海会有剧场演 《暗恋桃花源》,我觉得是痴人说梦。”赖声川用“命硬”形容《暗恋桃花源》连演30年,“它有了自己的生命,不断被激发出有趣、有深度的东西。”

1992年,黄磊在北京电影学院上大三,第一次看到电影《暗恋桃花源》。“一开始,两个人用浓厚话剧腔在舞台上演戏,我们都准备起哄了,突然李立群、丁乃竺出现了,大家觉得很奇妙,慢慢进入奇幻的神秘环境中。电影演完后,观众全体鼓掌。”在黄磊记忆中,当时电影学院学生观片,只有两部国产片获得鼓掌待遇,一部是孙周导演的《心香》,还有一部就是《暗恋桃花源》。

何炅最早看《暗恋桃花源》是通过录像带,“用现在的话说是渣画质,但我为这个作品感动。”2006年,《暗恋桃花源》首次在大陆巡演,黄磊扮演江滨柳,何炅扮演袁老板,一演就是10年。10年里,《暗恋桃花源》足迹遍布22个省、市、自治区。据不完全统计,全国院校里《暗恋桃花源》版本超过1000个。

400多次演出,仍要默戏

首次参演《暗恋桃花源》,何炅排练了3个月,“当时媒体报道赖声川用何炅、谢娜出演《暗恋桃花源》,是为了吸引大家买票、掉到钱眼里了。我们压力很大,如果演不好,等于坐实赖老师掉到钱眼里。”何炅坦言,最初接到剧本意气风发,到实际进入表演才发现深不可测,“赖老师给了我们很多急速启蒙。演了很多场后,有一天我会突然反应到,原来他教我的是什么意思。感谢赖老师对我的信心,让我在能力还不够的时候完成了这个角色。”

《暗恋桃花源》演出10年,会否感到厌倦,想要改变?黄磊与何炅不约而同提到赖声川一句话,“东西没坏前,不要修。”何炅说,“10年,同样角色、400多次重复,对我来说,角色每天都是新的。每次演出前,我和黄磊还是要暖身、默戏、对谈。”黄磊用“长情”形容《暗恋桃花源》,在他看来,《暗恋桃花源》超越了戏,成为他和妻子、女儿生活的一部分。

巡演10年,主创团队感受到观演条件与观众素质提高,拍照问题也得到极大改善。赖声川记得,10年前《暗恋桃花源》北京首演,他千叮万嘱不要拍照,结果大幕拉开,观众席相机声噼里啪啦响起。巡演之初,剧组遇到过嗑瓜子、吃甲鱼的观众,“工作人员上前劝阻,但对方回答,再吃一口吃完了。现在吃东西销声匿迹,拍照几乎没有。”赖声川说。

台湾话剧这么多,为什么赖声川的在大陆最火?

全台湾活跃的表演艺术团体有100多个,而频繁来大陆演出的也不止表演工作坊。梁志民的果陀剧场(演出《最后14堂星期二的课》、《淡水小镇》、《步步惊笑》等作品),吴念真的系列舞台剧、李国修的屏风表演班(《三人行不行》),还有新生代鬼才导演王嘉明的莎士比亚的妹妹们的剧团(去年两岸小剧场艺术节带来的《请听我说》)均给大陆观众带来了深刻的印象,但是仍旧只有赖声川的表坊在大陆最火,几乎是赖导一发功,剧场座无虚席。

自1998年赖声川首次将话剧《红色的天空》引入大陆,到2006年内地版《暗恋桃花源》公演好评如潮,赖声川逐渐在大陆树立起自己的戏剧品牌。赖声川以其独特的创作手法和挖掘内心深处情感的动机赢得大陆观众的喜爱,为观众带来了前所未有的视听觉盛宴。

导演的独特创作

赖声川在其话剧创作过程中主要运用了“集体即兴创作”的方法,即导演给出一个详细的大纲,在演员熟悉大纲后进行一到两个月的排练。由于演员只有大纲而不是剧本,因此演员可以加入自己对于该戏及所演角色的判断和理解,在演出过程中不断与其他演员进行对话,这就留给戏剧发展的无限可能:

演员根据自身经历和心理历程来理解、创造属于自己的角色,并在与其他演员进行对话的过程中不断完善自身角色并影响他人角色发展,创造出更多的戏剧走向。

但这个创造的可能性也不是完全自由的,导演在此过程中给出大概的框架,在不影响演员自己发挥的同时又给予及时的纠正和方向指引。除此之外,导演会在恰当的时刻给出问题让演员进行思考,刺激演员去挖掘心灵更深层的东西。

当演员与导演通过这样的过程将剧本雏形一起建立起来后,排练停止一周,留给导演进行思绪整理,写出具体详细的剧本。这时演员才获得了真正意义上的剧本,在接下来的时间里将按照该剧本进行排练直到演出。

这种集体即兴创作的方法是赖声川在美国攻读博士期间跟随荷兰阿姆斯特丹工作剧团(AmsterdamWerkteater)的著名导演雪云・史卓克(Shireen Strooker)实习时所接触并学习到的。该方法对导演、演员的整体素质要求很高,演员不再像以往看剧本进行角色扮演,而是依照自身经历和情感来创造角色;

导演也不再统领全局、指定戏剧细节,而是化作戏剧外的第三者,观察情节变化的同时不断给予演员刺激,使得戏剧情节在一定的框架里自由发展出更多的可能,从而更好地创造出适合该话剧主题的效果。

直面人心、关怀社会的创作思想

20世纪80年代,赖声川开始思考如何将对社会现状的理解通过戏剧的形式表现出来,而在台湾与美国求学成长的经历使得其创作具有文化复合性,因此赖声川的创作理念显示出了与众不同的魅力――在搞笑幽默的同时带给人更多的是对话剧背后所揭露的历史、政治问题的思考。

这样的创作思想使其作品恰好填充了现代社会中人们物质生活的日益满足而精神世界匮乏的心理状态:随着生活节奏的加快,工作的烦恼、生活的压力带给人们更多的焦躁和不安,无处排解更不知如何填补内心空缺。

赖声川通过集体即兴创作的方法与演员共同挖掘出人内心深处的思考和感动,并在反映当前社会问题的动机下,通过戏剧舞台为观众搭起一架重新审视内心、观察社会的桥梁。

面对市场,赖声川坦言,他没有去故意预测观众喜欢看什么,而是按照自己对现实社会的理解而创作自己想做的戏。市场有时会促进戏剧的发展,而更多的时候会给创意带来很多束缚。一旦创作者的思想与盈利挂钩,就很难脱离想要赚钱迎合大众口味的利益目标。

而这种动机往往与传递给观众真实的情感、关怀社会的艺术应有的责任相隔遥远。

赖声川说:“对我来说,在越来越物质的时代里,剧场反而成为一个可以处理一些心灵问题的地方。如果剧场也变成一种物质的东西,很表面的东西,那就很可惜了。在历史中,剧作家曾经是社会的良心,曾经是社会的一面镜子。”

倘若一部戏的创作动机充满功利,在看戏的过程中观众体验到更多的是功利思想;而赖声川这种直面人心、关怀社会的创作思想恰恰是当今社会人们内心所渴望的归属所在,作品中所带给观众的人性的沟通和直触内心的感动创造了他的戏剧核心价值。

这也是赖声川逐渐从多个话剧导演的角逐中脱颖而出,成为台湾少数可以靠票房收入维持的工作坊,并且能够将作品带到大陆并做出属于自己品牌的关键所在。

而成功进入大陆市场也与大陆方制作公司精准的推广策略息息相关。制作人在充分理解创作者的创作理念后,综合当下社会的经济、心理等因素,做出相应的判断,选择能够在市场中生存的剧目进行推广。

在推广时运用恰当的宣传手段引起社会的关注度,选取多种渠道有效地进行传播,从而扩大品牌影响力,增加剧目在市场中的份额。正是因为王可然对于制作人这一角色进行了恰当的解读和扮演,用独到的眼光来分析社会现状与戏剧本体之间的关系,才能够在剧目选择、定位目标人群以及演出城市方面做出正确的选择。

1

挑选和大陆观众情感价值相同的剧目推广

赖声川从1983年开始创作剧目至今,其所创作的剧目已经多达30余部,几乎所有的剧目在台湾地区上演时都会受到好评,而大陆方在选择剧目时却没有将其所有的话剧照搬,而是从中挑选符合大陆观众情感价值的剧目,寻找对于大陆观众来讲有所需求的作品,随之在合适的时段将其推出。

如赖声川的经典作品《宝岛一村》,虽然故事发生在台湾的一个小镇,其中不乏闽南语和台湾当地的习俗体现,但这部剧表现的不仅仅是台湾地域特有的生活习俗和情感,而是发生在60年代一群中国人的青春故事。

作品讲述了上世纪50到60年代,一群为躲避政治动荡从大陆的家乡逃到台湾的年轻人,从年轻时期就盼望祖国统一回到家乡而到老都没有实现归根愿望的故事。

这样具有鲜明时代感的故事中所蕴含的情感,是发生在某一个地点而放之四海皆准的集体情感,对于有过相似经历的观众来说都能体会得到,是作为一个中国人都可以感知的情感价值。

赖声川正是采用特殊创作方法在不知不觉中与演员们碰撞出更多的灵感,挖掘出内心深处最珍贵的情感,创作出了渗透人心的经典之作,创造出广大的价值空间和情感空间。

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针对大陆社会定位并细分主流人群

针对大陆独特的大众心理、时代美学及社会情感需求等因素,将目标观众定位为当今主流人群――既有稳定的收入来源,又对情感价值、未来美学欲望的价值有所追求的消费者。

由于每一部戏中所体现出的价值情感有所不同,因此制作人在将戏剧产品推入大陆市场时,还要针对这个主流人群进行细分,分析其年龄、职业背景、城市背景,甚至是美学和修养习惯等因素与所推出的话剧之间的关系,因此每一部戏所面向的受众群体略有不同。

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尽量选择有辐射力的大陆城市巡演

选择特殊的城市进行推广对于提高赖声川及其作品的品牌知名度有着重要的意义。制作方选择了能够对于周边环境有影响力的城市,因为这类城市作为核心可以对周边的区域有辐射作用,可以带动主流人群向该城市进行靠拢。当还不能够做到在全国数十座城市进行巡回演出时,尽量选择对周边地区有影响的城市,从而带动周边地区的观众前往并进行消费。

如连台戏《海鸥》《让我牵着你的手》,除了北京、上海这样的特大城市外,还选择了在江苏苏州、安徽合肥、辽宁沈阳等对周边地区有较强影响力的城市进行巡演。

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挑演员不看名气看“合适”

首先制作方对话剧的内容和角色特点要有深刻的了解和把握,并据此在大陆演艺圈中寻找合适的演员并向导演推荐。之后由导演考量该演员与剧本角色的契合度,最终决定角色扮演者。

赖声川选用演员时有一个原则,即用合适的演员做合适的戏。好演员会使戏剧更有广度,因此赖声川在很多戏剧作品中并没有使用明星,而是选择适合这个角色的演员、优秀的演员来演。

与此同时,倘若合适的演员恰巧在社会上享有很好的知名度,则更易受到导演的青睐,原因在于明星的出演可以更好地推动戏剧发展。

在观众还对赖声川本人及其剧目品牌较为陌生的时候,熟悉的演员或者明星是一个吸引潜在消费者的突破口。观众会因为其所熟悉、喜爱的演员而愿意尝试新的剧目,这会让他们减少陌生感,取而代之的亲切感会为戏剧产品加分。

而当赖声川的品牌在大陆逐渐打响时,观众所熟悉、喜爱的演员的参与更是获得了观众的无限期待。

明星的参与不仅仅是为了票房的收入,而是在适合所演角色的基础上为话剧本身带来更多的闪光之处。合适的演员是参与赖声川话剧演出的必然因素,而明星在符合角色本身的前提下更能推动戏剧在市场中的发展。合适的演员与有知名度的演员相互结合使得话剧在市场中健康成长。

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